Kontemporärt vs Tidlöst

Popmusik följer oftast ganska tydliga regelverk (struktur,ackordföljder etc), samtidigt som det alltid har varit en schanger som har varit öppen för förändring och ny input. Att våga göra nya grejer inom en given ram kan verka svårt och kanske lite väl riskfyllt, och därför så tänkte vi snacka om detta lite djupare i denna artikeln!


Kontemporärt vs Tidlöst

En grym låt (dvs text, melodi, ackord) är alltid tidlös, men ofta så är det produktionerna som ändras inom popmusik, vilket är det som i sin tur gör det kontemporärt och “nu”. Om ditt fokus är att producera musik så har du nog märkt hur svårt det är att undvika trender inom producerande, tex vilka samplingar som helt plötsligt gäller, val av ljud och vilka syntar man ska använda etc. Ett prima exempel på detta under 2015-2016 enligt mig är tex “​Jack Ü” virveln, eller “Can’t feel my face” basen, som numera i stort sett båda har blivit standard inom kommersiell popmusik. Resultatet av detta kan lätt bli att i stort sett alla producenter låter ungefär likadant i slutändan, och helt plötsligt så är det otroligt svårt att höra något som utmärker en producent från en annan. Självklart finns det idag ändå många producenter som väljer att strunta i trender och istället går på det dom själva tycker är bäst, och intressant nog så är det ofta dom som sen också blir stora och banar ny väg för nästa trend.

Att försöka hitta något som är genuint “nytt” idag är otroligt svårt, så därför väljer många producenter att hitta inspiration från äldre musik (det vi idag kanske skulle kalla “tidlös musik) och kombinera det med något mer kontemporärt sound. Helt plötsligt så är det jättefräscht med Rhodes och Mellotron i låtar igen, och det är med denna typen av “återvinnings mentalitet” som musik idag verkar ta sig framåt. Att blanda något nytt med något gammalt, att inte bara hålla sig till det som är “nu”, utan att försöka tänka framåt genom att lite paradoxalt nog kanske blicka lite tillbaks i musikhistorien.

Ett klockrent exempel på återanvändning, i detta fallet genom att sampla, var när Avicii tog Etta James acapellan från låten “Something’s gotta hold on me” och använde den till en av sina första och största hits “Levels”. I det fallet så var det Soul och House som blandades för att skapa den grymma kombon som gjorde att låten blev så bra. Avicii gick sen vidare till att kombinera akustisk gitarr och Country med sina houseproduktioner för att återigen återskapa sig själv. Kort och gott så kombinerade han tidlöst med kontemporärt, vilket onekligen var väldigt vågat då ingen annan mainstream house akt hade valt att blanda Country med House tidigare! Resultatet blev dock några av hans största hits hittills, tex “Hey Brother” och “Wake Me Up!”.


Med Housens intåg i populärmusiken så blev även housemusikens struktur väldigt vanlig i popmusik. Efter decennier av Vers-Brygga-Ref så kunde Popartister nu istället välja att byta ut refrängen mot ett drop, strunta i sticket och göra lite mer som dom ville! Detta medförde att du idag hör drop lika ofta som du hör traditionella refränger inom popmusik. Man kan säga att strukturen på Popmusik revolutionerades genom att blanda en kontemporär och “ny” genres struktur, med Popmusik som alltid varit tidlös.

Ibland så handlar det nödvändigtvis inte om att kombinera genres för att skapa sig ett nytt sound, utan snarare kanske om tänka annorlunda rent harmoniskt, dvs angående ackord. Många har säkert märkt att det har börjat bli populärt med lite “jazzigare” ackord i låtar igen. Exempel på detta är låtar som “Be Alright” med Ariana Grande, eller “Trust Nobody” av Cashmere Cat. Båda låtarna har lite mer färgade ackord än kanske en poplåt för 5 år sen skulle haft, vilket var en utmärkande trend för 2016. Helt plötsligt så blev det populärt att använda sig av “Jazzig” harmonik i ackorden för att få till en fräsch känsla i låten. Detta kan verka som väldigt små ändringar för att skapa något “nytt”, men i detta fallet så var det bara en lite annan typ av ackord som krävdes för att skapa en relativt stor trend under den gångna året. Återigen så är detta ett exempel på att blanda något som är tidlöst med moderna sound och produktioner för att skapa något fräscht och intressant!


För att sammanfatta detta så tycker jag personligen att det alltid är bra att ha koll på vilka trender som är populära, men att samtidigt inte stirra sig blind på dom. Försök istället att hitta din egna lilla nisch som du tycker är fet, och sikta på att utveckla den så långt du bara kan. Du behöver inte återskapa hjulet på nåt sätt, men försök att hitta det som gör dig till dig, och fokusera på göra musik som du tycker är rolig att göra! Om du själv tycker det är bra, så kommer garanterat andra att göra det också!



VILL DU VETA MER OM AP ACADEMY?


AUDIO PRODUCTION ACADEMY – UTBILDNING OCH KURSER I MUSIKPRODUKTION INOM ABLETON LIVE, FL STUDIO OCH LOGIC PRO
Share
Tip Of The Day – Frequency Split

Tip Of The Day – Frequency Split

Tip Of The Day! Har du någonsin känt att du vill mixa olika delar av ditt ljud på olika sätt? Kanske dista toppen och lägga ett chorus på miden? Det har vi på AP i alla fall och därför går vår instruktör Jamie idag igenom hur du kan göra exakt det i Ableton! AUDIO PRODUCTION

Layering av samples

Layering av samples

Sliter du halvt ihjäl dig med att försöka processera och mixa dina trummor eller percussions för att få fram ditt efterlängtade sound? Det kan då vara lämpligt och mer effektivt att byta ut- eller lägga till – samples på dina ljud för att sedan kunna skära ner allt i mixen. Bättre att ha för mycket ljud att kunna

Fem grymma samplingsbibliotek

Fem grymma samplingsbibliotek

Ibland så är det lätt att produktioner faller enbart på att samplingarna som bygger upp trummorna/effekterna i låten inte låter tillräckligt bra. I dagens populärmusik så bygger soundet extremt mycket på samples, så därför kommer vi i denna artikeln lista fem samplingsbibliotek som du borde skaffa för att lyfta dina produktioner till nästa nivå! Producers